+7 495 9 708 709
  1. Главная
  2. Блог
  3. Эстетика
  4. 7 историй создания мировых шедевров искусства
7 историй создания мировых шедевров искусства

7 историй создания мировых шедевров искусства

Шедевры мирового искусства часто вызывают у нас не только восторг, но и желание понять, в чем же секрет успеха того или иного произведения. Но, возможно, именно истории создания этих работ прольют свет на природу их магнетизма. Ведь известные всему миру произведения искусства часто хранят в себе увлекательные и таинственные истории.

Густав Климт «Поцелуй»

Однажды некий граф, заказал Густаву Климту картину для своей возлюбленной. Для написания женского образа художник получил медальон, на котором была во всем великолепии представлена девушка, невеста графа. Условием графа было, чтобы он и девушка были изображены на картине в страстном поцелуе. Климт исполнил заказ графа. И граф остался доволен, но его мучил один вопрос - почему на картине их уста не сомкнулись-таки в страстном поцелуе. Когда он задал этот вопрос художнику, Климт ответил, что он попробовал изобразить желание, настроение, атмосферу, т.е. тот мотив, который в миг самого поцелуя бросит их в бездну любовного наслаждения. Граф принял ответ. Картина так понравилась девушке, что через некоторое время граф уже уезжал со своей молодой женой в свадебное путешествие: увидев картину, она сразу дала согласие на брак с графом. Позже Климт раскрыл тайну "Поцелуя": когда художник писал картину, он сам влюбился в девушку с медальона и поэтому изобразил томительное ожидание поцелуя вместо самого поцелуя. Это была маленькая месть, из чувства ревности к графу.

Полотно принадлежит к периоду творчества Климта, названному «золотым»: в это время художник много работал с золотым цветом и настоящим листовым сусальным золотом. Популярность картин этого времени, и «Поцелуя» в том числе, связана не в последнюю очередь с применением художником золота в качестве цвета. Толика этой ценности и ослепительное сияние, исходящее от золота, тесно соединяются с содержанием картины. Ценность картины как бы освещает её смысл. Стилистические свойства этого периода, характеризующиеся сокращением глубины пространства и орнаментальной плоскостью изображения, подчёркивают значение самого изображения и пространства на картине. Аура полотна и его завораживающая красота выражают, с одной стороны, его «ценность», с другой же представляют влюблённую пару как символ беззаботного эротического счастья. Сочетание приёмов реалистической живописи с декоративными элементами, плоскостью фона и драпировки, гармонизирующим квадратом и текучими линиями в изображении изгибов женского тела придаёт картине ещё большую выразительность и притягивает взгляд. Неожиданно обрывающаяся граница цветочной поляны создаёт ощущение края земли, на которой, кроме них, никого нет.

Размер картины: 180х180 см.

Холст, Масло.

1908 г., Австрия.

Выставлена: Галерея Бельведер, Вена, Австрия.

Винсент Ван Гог «Звездная ночь»

Картина «Звездная ночь» была написана Ван Гогом в период лечения в больнице города Сен-Реми. По просьбе его брата, Ван Гогу разрешали в случае улучшения состояния здоровья писать картины. Такие периоды возникали довольно часто, и за это время художник написал целый ряд картин. «Звездная ночь» - одна из них, при этом интересно, что данная картина была создана не по памяти. В письме к брату он пишет: «Я все равно страстно нуждаюсь в религии. Именно поэтому я вышел в ночное время из дому и стал рисовать ночное небо со звездами». Смысл «Звездной ночи» Ван Гога во многом связан с его душевно-психическим состоянием в момент написания полотна. На первый взгляд, она яркая и оптимистичная, но если рассматривать ее разбитой на отдельные части, то в каждой из них можно увидеть, как если бы больной человек пытался сохранить свой последний контакт с внешним миром.

Основными «столпами» композиции являются кажущиеся огромными кипарисы на холме (передний план), пульсирующие полумесяц и звезды «сияющего», ярко-желтого цвета. Город, лежащий в долине, может даже сначала остаться незамеченным, ведь основной упор делается на величие Вселенной. Вихрь в небе напоминает о Млечном Пути, о галактиках, о космической гармонии, выражающейся в одновременно и экстатическом, и блаженно спокойном движении всех тел в темно-синем пространстве. На картине это одиннадцать невероятно огромных звезд и большой, но убывающий месяц, напоминающие о библейском сюжете о Христе и 12 апостолах. Часто зрителя впечатляет цветовая гамма, это уникальное сочетание глубокого темно-синего, голубого, небесного, зеленого (почти черного), коричневого и разнообразных оттенков желтого (здесь и «подсолнухи», и «масло», и «яичные желтки»). 

Размер картины: 73,7 × 92,1 см.

Холст, Масло.

1889 г., Нидерланды.

Выставлена: Музей современного искусства, Нью-Йорк, США.

Казимир Малевич «Черный квадрат»

Последним шагом на пути к супрематизму была постановка оперы М. В. Матюшина «Победа над Солнцем». Малевич работал над эскизами декораций и костюмов к этой постановке. В этих эскизах впервые возникло изображение «чёрного квадрата», означавшее тогда пластическое выражение победы активного человеческого творчества над пассивной формой природы: чёрный квадрат появлялся вместо солнечного круга.
Попытки исследовать полотно на предмет нахождения иного изначального варианта под верхним слоем живописи совершались неоднократно. Осенью 2015 были опубликованы результаты исследований (методом рентгеноскопии), которые подтвердили наличие под изображением «Чёрного квадрата» двух других цветных изображений. Первоначальное изображение — это кубофутуристическая композиция, а лежащая под «Чёрным квадратом» — это протосупрематическая композиция.
Но версию, что он просто в сердцах зарисовал неудавшиеся работы черной краской, новые исследования опровергают.

«Чёрный квадрат» входит в цикл супрематических работ Казимира Малевича, в которых художник исследовал базовые возможности цвета и композиции; является, по замыслу, частью триптиха, в составе которого также присутствуют «Чёрный круг» и «Чёрный крест».

Размер картины: 79,5 × 79,5 см.

Холст, Масло.

1915 г., Россия.

Выставлена: Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Эдвард Мунк «Крик»

Мунк сам объяснил, как родился замысел этой картины. «Я шел по дороге с друзьями. Садилось солнце. Небо стало кроваво-красным. Меня охватила тоска. Я стоял смертельно усталый на фоне темной синевы. Фьорд и город повисли в огненных языках пламени. Я отстал от друзей. Дрожа от страха, я услышал крик природы», - выгравировано на рамке проданного лота рукой Мунка. Красноватое небо, возможно, было вызвано извержением вулкана Кракатау в 1883 году. Вулканический пепел окрасил небо в красноватый цвет в восточной части США, Европы и Азии с ноября 1883 по февраль 1884.
Фигура на переднем плане, вероятно, изображает самого художника, не кричащего, а наоборот, защищающего себя от крика природы. В этом смысле, поза, в которой он себя изображает, может быть рефлекторной реакцией человека, старающегося спастись от сильного шума, реального или вымышленного.

Помещенная в центр композиции фигура отчаянно кричащего человека, притягивает внимание зрителя в первую очередь. На обезличенном до примитива лице читаются отчаяние и ужас, граничащие с безумием. Автору удалось скупыми средствами передать мощнейшие человеческие эмоции. В глазах страдание, широко открытый рот делает сам крик пронзительным и реально ощутимым. Поднятые руки, закрывающие уши, говорят о рефлекторном желании человека убежать от себя самого, прекратить этот приступ страха и безнадежности.

Автор использует сложную технику, в одной работе используя и масляные краски и темперу. Одновременно с этим колорит работы прост, даже скуп. Фактически два цвета - красный и синий, а также смешение двух этих цветов - и создают всю работу.

«Крик» обращается к коллективному, бессознательному. Какой национальности бы вы ни были, убеждений или возраста, вы хотя бы однажды наверняка испытали такое же экзистенциональное чувство ужаса, особенно, в век насилия и саморазрушения, когда каждый борется за выживание», - сказал накануне торгов Дэвид Норман, сопредседатель совета директоров Sotheby's.

Размер картины: 91 × 73,5 см.

Картон, масло, темпера.

1893 г., Норвегия.

Выставлена: Национальная галерея, Осло, Норвегия.

Виктор Васнецов «Алёнушка»

За основу сюжета была взята сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Работу над картиной художник начал в 1880 году. Сначала он рисовал пейзажные этюды на берегу Вори в Абрамцеве, у пруда в Ахтырке. Сохранилось 3 этюда того времени. Сам Васнецов так отзывался о своей картине: «Алёнушка как будто давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую моё воображение... Каким-то особым русским духом веяло от неё». Работа была закончена зимой 1881 года в Москве, после чего Васнецов отправил её на Передвижную выставку.

Сестрица Аленушка, уставшая от поисков потерявшегося братца Иванушки, в сиротливой позе сидит на большом камне, грустно склонив голову у мрачного пруда в дремучем хвойном лесу. Всё время не покидают Аленушку тревожные мысли о том, что не уследила за единственным братцем, и сама природа грустит вместе с ней. Аленушка тесно взаимосвязана с природой, ни один фрагмент не отвлекает зрителя от главного, в то же время каждая деталь картины - это материал для задумчивых размышлений.

Размер картины: 91 × 73,5 см.

Холст, масло.

1881 г., Россия.

Выставлена: Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Пабло Пикассо «Герника»

Пикассо начал писать «Гернику» после жесточайшей бомбардировки фашистами города Страны Басков — Герники. Во время гражданской войны в Испании в 1937 году добровольческое подразделение люфтваффе совершило ночной налет на Гернику. После чего город был фактически уничтожен. Испанский поэт и видный общественный деятель Рафаэль Альберти впоследствии вспоминал: «Пикассо никогда не бывал в Гернике, но весть об уничтожении города сразила его, как удар бычьего рога». Бомбардировка Герники послужила толчком к созданию знаменитого полотна. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10—12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Создавалось впечатление, что художник уже давно продумал концепцию полотна, и только сейчас воплощал свои идеи в жизнь. 

Сама «Герника» представляет собой огромное полотно-фреску — 3,5 м высотой и 7,8 м длиной. Картина представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин. Выбор чёрно-белой палитры, с одной стороны, передаёт хронологическую близость к газетной фотографии того времени, с другой — отражает безжизненный характер войны. «Герника» изображает страдающих людей, животных, и здания, трансформированные под воздействием насилия и хаоса.

Множество разногласий вызвала изображённая в левом верхнем углу картины голова быка — это персонаж, который смотрит на всё происходящее вокруг абсолютно безразлично, его взгляд устремлён в никуда. Некоторые искусствоведы считают, что это олицетворение фашизма и всего мирового зла; другие исследователи предполагают, что бык — символ глухоты, непонимания, неведения; некоторые испанцы трактуют быка (символ традиционной испанской корриды) как саму Испанию, которая отвернулась от происходящего в Гернике (отсылка к тому, что Франко разрешил бомбардировку своего города).

В 1940 году, через некоторое время после вступления германских войск в Париж, к Пабло Пикассо пришли немецкие офицеры. На столе художника находились открытки с репродукцией «Герники». Его спросили про картину: «Это сделали вы?». На что художник ответил: «Нет, это сделали вы».  

Размер картины: 349 × 776 см.

Холст, масло.

1932 г., Испания.

Выставлена: Музей королевы Софии, Мадрид, Испания.

Сальвадор Дали «Постоянство памяти»

Неукротимый гений Сальвадор Дали часто ассоциируется с залихватскими усиками и расплывающимися часами, образ которых, придумав однажды, он использовал потом во многих своих работах. А первый раз Дали нарисовал мягкие часы на картине «Постоянство памяти» летом 1931 года в Париже.

Проводив свою возлюбленную Галу с друзьями в кино, «Я, — пишет Дали в воспоминаниях, — вернулся к столу и погрузился в раздумья о растекающейся мякоти. Перед моим мысленным взором возник сыр. Я встал и, как обычно, направился в мастерскую — взглянуть на картину, которую писал. То был пейзаж Порт-Льигата в прозрачно-печальном закатном свете. Я ощущал, что в этой картине мне удалось создать атмосферу, созвучную какому-то важному образу — но какому? Мне нужно было дивное изображение, но я его не находил. Я отправился выключить свет, а когда вышел, буквально увидел решение: две пары мягких часов, они жалобно свисают с ветки маслины. Несмотря на мигрень, я приготовил палитру и взялся за работу. Через два часа, к возвращению Галы, самая знаменитая из моих картин была закончена».

Произведение создано в момент озарения, когда сюрреалист почувствовал, что живописью можно доказать, что во Вселенной всё связано и проникнуто единым духовным началом. Так под кистью Дали родилось останавливающееся время. Рядом с мягкими тающими часами автор изобразил твёрдые карманные, покрытые муравьями, в знак того, что время может двигаться по-разному, либо плавно течь, либо разлагаться. Спящая голова – это портрет самого художника.
Картина рождает у зрителя самые разные ассоциации, ощущения, которые, порой, бывает трудно выразить словами. Кто-то находит здесь образы сознательной и бессознательной памяти, кто-то – «колебания между взлётами и падениями в состоянии бодрствования и сна». Как бы то ни было, автор композиции добился главного - сумел создать незабываемое произведение, ставшее классикой сюрреализма.

Размер картины: 24 × 33 см.

Холст, гобелен ручной работы.

1931 г., Испания

Выставлена: Музей современного искусства, Нью-Йорк, США.

Вам также может быть интересно

Ближайшие события